Carreira de roteirista em Hollywood

Para quem se interessa em saber como é a vida de um roteirista em Hollywood mas nunca teve a quem perguntar, Chad Gervich responde às perguntas de um estudante da nona série.

Pessimista demais? Promissora na medida em que a satisfação compensa os riscos?
O que mais me chocou foi ele dizer que se você tem um mínimo de talento para outra coisa, faça outra coisa.
Roteiristas são famosos por serem introspectivos, por se autodepreciarem e pela falta de habilidades sociais, mas este tipo de opinião me parece mais a opinião de alguém que tenta afastar a concorrência daqueles que querem entrar neste mercado.

Escrever é difícil sim.
Mas qualquer um que já assistiu "Trabalho Sujo" sabe que existem coisas piores por aí.

Pingüins voadores

Antigamente não se podia acreditar muito no que se lia.
Hoje já não se pode acreditar nem no que se vê.




E para quem gosta de desvendar os mistérios da produção, segue-se o "making of" dos pingüins voadores.




Antes de assistir o "making of" fiquei pensando no pobrezinho do pingüim que jogaram em cima das folhagens.

É impressionante ver como os pingüins parecem reais, com certeza já chegamos em tal ponto da tecnologia de animação 3D que não é mais possível dizer se o que vemos é material vivo ou animado.
Essa situação pode permitir toda uma nova leva de teorias do cinema, até então várias delas se preocupavam com a representação do real, qual a linguagem cinematográfica que mostraria mais o real ou evidenciaria que o cinema constrói uma realidade (opacidade x transparência, corte seco x jump cut), até em atuação dizem do ator que capta a realidade do personagem.
Minha tendência sempre foi pensar que no cinema (e talvez em qualquer tipo de arte) não existe realidade, podem existir fragmentos, nuances, mas no final sempre existe um recorte ali, a visão de alguém. E se este alguém diz que não quer passar visão nenhuma ou é por que está mentindo ou então ignora a própria visão que está passando aos outros.
Dizer que uma certa linguagem cinematográfica está mais perto da realidade do que outra é a mesma coisa que dizer que um texto com vírgulas é mais real que outro sem, ou que o gerúndio aliena o espectador.
O que eu acho que importa no final das contas não é a forma ou linguagem em separado, mas o conjunto da obra e a mensagem que ela passa.
Uma animação 3D pode nos tocar mais fundo e falar mais alto aos nossos sentimentos e à nossa realidade do que um filme com atores reais.


E o vídeo dos pingüins acabou virando pretexto para uma discussão sobre teoria, mas colocando o pé um pouco mais no chão, outra coisa que me chamou a atenção no "making of" além do profissionalismo da equipe e da qualidade da animação foram os pequenos cuidados no ator pra dar a impressão de que ele estava na neve, desde efeitos na roupa até no jeito dele andar.
Tem um momento em que ele até enfia o pé em um buraco de neve mais fofa, esses detalhes fazem muita diferença na nossa percepção.


Agora uma pequena dúvida em relação à fotografia, no momento em que ele olha para os pingüins voadores no céu, ele não está realmente protegendo os olhos da luz. Imagino que se ele fosse proteger os olhos de verdade ele teria que usar o outro braço e a sombra do braço (e da mão) no rosto iriam atrapalhar uma tomada tão bonita.
É, a fotografia, principalmente em cinema e televisão, é cheia desses truques, mostrando algo falso ou que a primeira vista desrespeitaria alguma regra de continuidade mas que no final serve pra deixar a gente ainda mais fascinado e inserido na ação.

Caímos novamente naquela questão do especialista que se torna melhor por conhecer as áreas paralelas à sua profissão, se o continuista e/ou o diretor fossem chatos o bastante poderiam optar por um plano "mais real" que acabaria tendo um efeito não tão bom sobre o espectador.

Pós-desprodução

Há pouco tempo Wilson, amigo e leitor do blog, levantou uma questão.
O que acontece com os cenários e toda aquela parafernália dos filmes depois que eles acabam de filmar?

Na época havíamos lido o blog do filme Watchmen.
Em um artigo o diretor do filme, Zack Snider, cita números do que foi usado pra construir uma mini Nova York em Vancouver, Canadá.


Antigamente os estúdios possuiam "backlots", que eram uma grande área aberta própria para se construir os grandes cenários de exteriores (e.g. uma rua em particular, uma cidade de faroeste, uma floresta). Creio que hoje só os grandes estúdios possuem estrutura para uma área aberta deste porte.
Muito mais comum é a gravação dentro de um estúdio, que seria um grande galpão fechado (inclusive com isolamento acústico) com toda a infra-estrutura necessária para se fazer uma filmagem. Alguns galpões são tão grandes que se precisarem de um trecho pequeno de uma rua ela pode até ser feita em estúdio, o que seria até mais econômico pois as condições estão todas controladas, não é preciso permissão de prefeitura nem de polícia/bombeiros e nem tem risco de chuva (a maioria das ruas de sitcoms são feitas em estúdios).

Mas o que acontece quando o backlot é montado longe do estúdio, as vezes em outra cidade, como foi o caso de Watchmen?
Não sei responder. Talvez quando estiver mais próximo da estrutura de produção industrial do cinema norte-americano eu entenda melhor o que acontece.
A minha impressão é que se a produção não for inteligente o bastante pra ganhar dinheiro vendendo o cenário ou reciclando eles simplesmente deixam tudo pra trás.

Em um post do blog do John August, ele reforça esta impressão.
Derek Frey, um assistente do Tim Burton, fez uma recente viagem para o Alabama e tirou fotos do que restou de alguns dos antigos sets de "Peixe Grande" (Big Fish).


Olhar para um cenário antigo e atacado pelo tempo me passa a sensação de olhar pra paisagens de ruínas, algo que já teve sua história, mas é preocupante pensar que no fundo esses cenários só estão lá devido a um desperdício, reciclagem gente, reciclagem.

Visão do conjunto faz um especialista melhor

É tão bom quando eu fico sabendo de profissionais de verdade que estudaram um pouco mais além de sua área de atuação.
Você percebe nesses profissionais que eles tem uma visão geral da coisa, adquirem um jogo de cintura maior pra resolver os imprevistos (pois sabem se antecipar aos pedidos dos outros departamentos), sabem se comunicar melhor com os outros membros da equipe e quando estão afim de esticar os limites da arte fazem isso com embasamento, não é apenas um devaneio fantasioso de alguém que joga uma idéia e espera que os outros a cumpram.

Estou me referindo aqui às áreas dentro do próprio audiovisual.
É certo que existem roteiristas que estudaram informática e arquitetos que se tornaram diretores, aliás, vários cursos que à primeira vista parecem que não tem nada a ver na verdade contribuem para o audiovisual, mas não estou falando disso.
Estou falando do roteirista que tem noção de direção, do diretor com noções de produção, do produtor que entende de roteiro e de fotografia.

Hoje no curso de Imagem e Som existem oito áreas: Roteiro, direção, edição, fotografia (de vídeo e cinema), hipermídia, som, produção e pesquisa.
Antigamente os alunos faziam todas as matérias e saiam entendendo um mínimo de tudo.
Atualmente existem introduções à estas áreas e no terceiro ano do curso o aluno só pode optar por duas das oito áreas. Esta opção é chamada de "ênfase" (no fundo no fundo é uma introdução alongada).
Na minha opinião o que aconteceu foi que os alunos deixaram de aprender as outras áreas (que são complementares à sua formação).
Como as "ênfases" não são tão aprofundadas assim o aluno não vira sequer um especialista.

O programa do curso passou por esta (suposta) especialização por forças do mercado.
Quando recém-formados quanto mais técnica a sua formação melhor, e muitos estudantes conseguiram se adaptar a isto.
Mas (e aí entra o meu exercício de futurologia) à medida que forem progredindo na carreira estes alunos "especialistas" precisarão conhecer as outras áreas e as matérias mais gerenciais, precisarão conversar mais com os outros departamentos e é neste momento que uma formação univesitária (plena, com visão do conjunto, tanto técnica quanto estética) irá valer a pena.
Isto sem levar em conta aquele fator importantíssimo, o técnico que tem conhecimento das outras áreas consegue conversar e entender melhor as exigências e necessidades dos vários departamentos, tornando-se um especialista ainda melhor.

Acredito que um curso que se proponha a formar um diretor deva dar ele não apenas uma introdução mas boas noções de:
- Roteiro
- Edição
- Fotografia
- Produção
- Direção de atores

Chega a ser ridículo então que uma universidade onde alguém faça uma "ênfase" de direção o aluno só possa estudar uma área a mais.

A mesma coisa vale para produção, no caso acima eu só trocaria direção de atores por som, este seria o meu programa para a formação de produtores.

Aí alguém me pergunta, mas o que um produtor deve saber de fotografia?
Respondo, ele não precisa saber fazer, mas precisa reconhecer o bom profissional, saber quais são os equipamentos e a logística de transporte, qual o tempo que se leva para montar e desmontar o equipamento, lendo a cena no roteiro e conversando com o diretor de fotografia deve saber qual seria o tempo razoável para fazer a tal cena. E por aí vai.
Seu trabalho continua sendo o de produzir, mas quanto mais souber, melhor será a produção.

Atualização (16/04/2008): Acabei de ler um post que propõe e responde (pelo menos em parte) outra questão relacionada a este assunto.
Quanto de tecnologia um diretor precisa conhecer?
Se você for James Cameron acho que quanto mais melhor, porém isso só é válido levando em conta a percepção do espectador.

Operadores de Steadicam e seus planos

A dica da vez é o site Steadishot.org.

Eu ainda preciso explorar mais este site, é o tipo da coisa que promete consumir muito minha taxa de downloads mas tem tudo pra valer a pena.

Steadicam é uma marca registrada que virou sinônimo de "aparelho estabilizador de câmera", assim como Gillete virou sinônimo de lâmina de barbear.
O operador de Steadicam é um tipo especial de operador de câmera, sua atenção tem que ser redobrada em relação ao enquadramento, ao seu próprio equilíbrio (enquanto caminha e opera o equipamento) e à sua posição em relação aos atores.

A posição do operador de steadicam em relação aos atores é tão importante nestes tipos de planos que atores e operador chegam a formar uma dança. Onde a posição de cada participante afeta o parceiro, existem marcas a serem respeitadas mas também pode haver improvisação, o erro individual prejudica o conjunto mas quando tudo dá certo a qualidade do conjunto é muito maior do que a soma das qualidades individuais.

E no Steadicam.org somos apresentados a vários operadores, trechos de filmagem e ainda comentários a respeito destes planos, as vezes escritos pelos próprios operadores.
Os vídeos disponíveis, com os planos onde o steadicam foi utilizado, são um recurso valioso pra estudantes e amantes do cinema, profissionais do ramo e curiosos em geral.

É interessante imaginar como deve ser difícil dirigir algumas destas cenas, tudo tem que estar muito bem ensaiado, mas creio que muito mais difícil é explorar o uso do steadicam para que contribua muito mais para a mensagem que se quer passar do que se fosse utilizado uma câmera fixa (ou movimentos mais simples).
A arte está em criar novos significados, novas sensações, e não deixar que o equipamento seja utilizado apenas como pirotecnia estética.

Um ótimo exemplo é aquela cena de "Shaun of the Dead".
Shaun caminha batendo nos zumbis com um taco de cricket, a caminhada é bem fluida, mas em termos de produção atores e câmera devem estar em posições precisas, caso contrário as pancadas iriam parecer falsas e o próprio caminhar não iria parecer tão fluido (link pra a cena).

E só para variar, faço nota também de uma cena de abertura de um dos episódios de "Scrubs" ("My Student"), no qual os internos recebem seus primeiros estudantes de medicina.
Veja no site Steadicam.org para ler os comentários ou assistir com uma resolução melhor.
Abaixo está a mesma cena no YouTube só que com resolução bem pior (no final tem mais algumas cenas do episódio que não dizem respeito ao assunto).




A cena do jeito que está transmite muito bem a idéia de que o hospital é um lugar ao qual eles já estão acostumados.